Des images révèlent le patrimoine artistique d’Amérique latine aux États-Unis


Louis Carlos Bernal, copyright 2019 Lisa Bernal Brethour et Katrina Bernal

Deux femmes, Douglas, Arizona, 1979

Elizabeth Ferrer est la directrice exécutive du BRIC, une organisation artistique et médiatique à but non lucratif à Brooklyn. Il est également l’auteur de Peinture Latinx aux États-Unis : histoire visuelle. La famille Ferrer est d’origine mexicaine américaine et est née et a grandi à Los Angeles. Il aimait l’art lorsqu’il était enfant et a grandi dans l’essor de Mouvement chicano des droits civiques, il a vu de ses propres yeux comment la vie transforme l’art. « L’une des choses dont je me souvenais de mes années d’école primaire était de me photographier dans un quartier voisin. Je n’ai jamais eu la chance d’aller dans un musée quand j’étais enfant, mais j’ai vu cela et j’ai vu comment l’art peut s’appliquer au changement social et culturel. »

Il a eu cette idée de l’art du changement social à travers l’école et son travail d’aidant de la jeunesse, ainsi que le champion professionnel américano-mexicain et latino-américain. Nous lui avons parlé de la façon de trouver des artistes Latinx inconnus alors qu’une fille l’amenait sur la plate-forme, lui et les artistes.

Max Aguilera Hellwig, avec l’aimable autorisation de l’artiste

Comment vous êtes-vous intéressé à la photographie ?

J’adorais la photographie quand j’étais au lycée, et j’ai commencé à faire beaucoup de photographie. Je suis allé à Wellesley pour une histoire de l’art, puis à Columbia. Lorsque j’étudiais l’histoire de l’art, il y avait très peu de références à l’art latin, à l’art chicanx ou à l’art mexicain, ce qui m’intéressait. Après avoir déménagé à New York et fait carrière dans la photographie, je me suis beaucoup intéressé à l’art et je suis parti pour Mexico. J’ai fait la connaissance des artistes là-bas et j’ai organisé plusieurs expositions d’art mexicain et d’art du paysage aux États-Unis depuis les années 1990. J’adore peindre au Mexique et je suis toujours en train de suivre, mais j’ai commencé à me rendre compte qu’il y avait des artistes Latinx autour de la maison qui faisaient d’importants travail. J’ai commencé à travailler pour En Foco à New York, qui a été formé dans les années 1970 par un groupe d’artistes nuyoricans. Grâce à En Foco, j’ai découvert de nombreux artistes Latinx à travers les États-Unis qui, pour la plupart, n’étaient pas inclus dans l’histoire de la sorcière. Leurs œuvres n’ont pas été incluses dans les archives, elles n’ont pas été vues dans les grandes expositions d’art ou les musées américains. C’était juste un peu visible pour ces artistes. J’ai décidé de travailler sur le livre pour combler cette lacune dans l’histoire de la photographie américaine.

Qu’est-ce qui vous a impressionné dans le fait de travailler au Mexique ?

J’ai voyagé au Mexique en tant que jeune surintendant, pensant que je superviserais une exposition d’artistes mexicains modernes qui serait projetée aux États-Unis. J’étais plutôt vert. Je ne connaissais pas les gens là-bas mais j’ai commencé à aller au musée. Il y avait un endroit qui n’avait qu’une seule exposition de photos et Fleurs de Garduño, et c’était ce jeune photographe moderne, le plus prolifique à l’école du moderne noir et blanc qui fut la plus puissante du Mexique au XXe siècle. C’est très poétique. J’ai été impressionné par sa peinture et j’ai acheté une photo de l’exposition.

Chuck Ramirez, gracieuseté de la succession de Chuck Ramirez.

“Le jour des morts”, de Sept jours liste, 2003

Avez-vous l’impression de devoir vous battre pour trouver un musée ou un musée aux États-Unis pour réaliser cette œuvre ?

Au début de ma carrière, j’ai eu la chance que les Américains aiment l’art mexicain. Le quinquennat de Columbus a eu lieu en 1992, j’avais participé à une grande exposition au Museum of Modern Art où j’étais l’éditeur d’un livret d’exposition à succès, Peintures latino-américaines du XXe siècle. Pratiquement tous les musées voulaient une exposition d’art mexicain ou d’art latino-américain. J’ai eu de la chance, c’était le bon endroit au bon moment et j’ai pu faire beaucoup de spectacles et d’activités. Mais il y avait peu d’intérêt pour l’art et la peinture Latinx à cette époque; cela a pris beaucoup de temps. L’intérêt n’était pas fort, et cela a pris beaucoup de temps. De toute évidence, au cours des dernières années, il y a eu un intérêt croissant pour l’art afro-américain et, dans une certaine mesure, pour l’art latino-américain. Les gens commencent à réaliser cette différence entre ce qu’ils savent et ce qu’ils ne savent pas, et il y a une soif de connaissance de toutes les choses Latinx.

En Foco a été fondée par un groupe d’artistes portoricains en 1974 qui connaissaient des défis et des apparitions similaires. Il frappait à la porte mais ne recevait pas d’emploi de la presse. Et ils n’ont certainement pas trouvé leur travail dans les musées, mais ils ont vu les artistes blancs qui y étaient. Un exemple remarquable est Bruce Davidson, dont le livre est publié 100e rue Est, Le piètre bilan de Harlem, imprimé en même temps que les artistes amérindiens qui ont diffusé dans la même région. La même chose s’est produite à East Los Angeles, où j’ai grandi. Dans les années 1960, à l’époque des libertés civiles, il y a eu de nombreuses manifestations et manifestations, ainsi qu’une fierté raciale et une grande conscience politique parmi les Latinx. Et vous savez, les magazines expliquaient beaucoup de choses sur les spectacles, mais ils envoyaient des artistes de Magnum dans ces endroits. Des artistes locaux qui ont passé la majeure partie de leur vie à filmer la région ont également peint les objets, mais leur travail ne s’est présenté dans aucun des pays.

Quand j’ai rejoint En Foco dans les années 1990, ils étaient très actifs dans l’organisation de l’exposition, en donnant aux artistes des collaborations pour créer une nouvelle œuvre, en publiant le magazine Nueva Luz. Comme pour En Foco, ce n’est pas rare. Trouver des informations publiques est très difficile. J’espère que mon livre aidera ces artistes à mieux se présenter, mais ce n’est que le début.

La plupart des artistes de ce livre devraient avoir une monographie écrite à leur sujet, ils ne devraient avoir que des représentations visuelles. La plupart de ces artistes ont du succès, mais la grande beauté qui a été associée à l’art latino-américain et qui a été reprise par de grandes entreprises telles que le MoMA, n’est pas arrivée aux artistes Latinx.

David Gonzalez, avec l’aimable autorisation de l’artiste

“Ovina, Mott Haven”, août 1979

De nombreuses organisations existent aujourd’hui pour se connecter avec les médias grand public et des artistes anonymes, Divers Art et Nature Pictures viennent à l’esprit. Voyez-vous la différence au cours des dernières années?

Je pense que cela a beaucoup changé depuis que nous sommes passés de l’impression numérique au numérique. Cela a été un tournant majeur. Une fois scellé, il y a toujours un garde de porte. Il y avait de petites publications comme Nouvelle lumière, mais ce ne serait pas le cas avec les médias populaires.

Une fois qu’un site numérique est ouvert, avec la prolifération des sites de réseaux sociaux et des blogs, une organisation, par exemple, dédiée aux droits de l’homme peut embaucher un artiste naturaliste qui vit dans cette région ou qui passe beaucoup de temps dans cette communauté. Bien sûr, un autre changement majeur est l’essor des médias sociaux, et de nombreux photographes, même adultes, ont des flux Instagram et peuvent l’utiliser comme plate-forme sans gardien, sans filtre, pour présenter leur travail.

Une chose qui m’inquiète toujours dans le look de ces artistes, c’est le marché de l’art. Il existe plusieurs artistes mexicains, tels que Manuel Allvarez Bravo ou Graciela Iturbide, qui ont un marché fort, dont vous voyez leur travail dans des verres commerciaux. Mais les artistes Latinx ne sont pas éloignés des lunettes commerciales, il n’y en a que quelques-uns. Surtout pour les artistes qui sont apparus dans les années 1980 et 1990, cela ne faisait pas partie de leur expérience. Ils pouvaient gagner de l’argent en enseignant ou en finançant, mais pas en vendant leur travail. L’œuvre d’art est importante car un bon galeriste sera quelqu’un qui pourra vous aider à trouver des expositions de musée, qui pourra vous aider à mettre le travail en groupes organisés. En dehors de Latinx travaille dans le verre et dans la photographie commerciale, c’est quelque chose qui les empêche d’avoir une vie longue et stable pour leur travail. Quand les artistes meurent, qu’arrive-t-il à ces groupes de travail ? Que se passe-t-il si le service n’est pas apprécié du marché ?

Michel Gandert

Melissa Armijo, Eloy Montoya et Richard « el Wino » Madrid, Albuquerque, 1983

Pour en revenir à ce que vous avez dit à propos des artistes Latinx mettant leurs lunettes au dos des nouvelles d’aujourd’hui. Quel rôle pensez-vous que les artistes Latinx jouent aujourd’hui dans la description de la politique actuelle ?

C’est une frontière, et c’est la responsabilité du peuple de Porto Rico. C’est une question de migration et de justice. Il y a des artistes dans ce livre qui mettaient leurs lunettes pour aider les ouvriers agricoles à travailler dur pour s’unir en Californie dans les années 1960. ou quelqu’un comme Hiram Maristany à New York, un ancien artiste des Young Lords, un groupe d’exposition portoricain. Mais je vois que tous ces artistes, même les générations les plus récentes travaillant sur la propriété intellectuelle ou l’idéologie, conservent encore une idéologie politique, une volonté d’exprimer leur communauté. Je voudrais mentionner Harry Gamboa et sa grande liste Chicano mâle non lié. Il a commencé l’histoire après avoir entendu une annonce à la radio selon laquelle la police recherchait un homme chicano. La suspicion d’un adolescent mexicain américain en tant que terroriste, similaire à la façon dont les Américains américains sont diabolisés, était une menace pour lui en faisant une énorme liste de photos d’hommes chicanos de différents âges et professions, une fois qu’il se tenait dans un cadre. . Certains d’entre eux sont des acteurs, des avocats, des danseurs, des juges, des prêtres, et il les a délibérément photographiés le soir, fixant parfois intensément ou violemment la caméra, vous obligeant à regarder vos pensées.

Christina Fernández

À gauche, n° 2, 1919, Portland, Colorado ; à droite, n° 6, 1950, San Diego, Californie, de Le grand voyage de Marie, 1995-96.

Que voulez-vous que les lecteurs gagnent en comprenant l’importance de regarder l’histoire des États-Unis à travers les lentilles Latinx ?

Ce livre c’est environ 80 artistes en général, il couvre une histoire qui remonte au 20ème siècle. Par exemple, il existe de nombreux artistes Latinx qui ont travaillé dans les années 1980 et 1990 dont le travail est bien connu et la manière dont la technologie est utilisée par les artistes. Je veux que les gens voient et connaissent les artistes et apprécient leur travail. J’ai trouvé nécessaire d’écrire un livre pour les artistes Latinx parce qu’ils étaient invisibles, mais au final, ces artistes Latinx devraient être considérés comme tels. Amérique artistes. Ils font partie de l’histoire de l’art américain, de la peinture américaine. Je ne pense pas que toute l’histoire de la photographie soit écrite, il en reste tellement.

Pour que cette histoire de l’art américain riche et emblématique soit écrite, elle doit inclure de nombreux artistes Latinx, des artistes afro-américains, des artistes américains d’origine asiatique, des artistes queer. Cette histoire a été jusqu’à présent trop étroite dans son interprétation.

Ricardo Valverde, avec l’aimable autorisation d’Esperanza Valverde

“Image de l’artiste en tant que jeune homme (euh)”, 1991

Hiram Maristany, avec l’aimable autorisation de l’artiste

Delilah Montoya, avec l’aimable autorisation de l’artiste

Karen Miranda de Rivadeneira, avec l’aimable autorisation de l’artiste

“Ma mère m’a guéri de ma peur de l’iguane en m’emmenant au parc et en me nourrissant chaque semaine”, vers 1994, 2012

Jesse A. Fernandez, avec l’aimable autorisation de la succession de Jesse A. Fernandez, Collection de France Mazin Fernandez.



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